Il Balletto Teatro di Torino è un organismo di produzione, ricerca e partecipazione culturale, capace di intrecciare radici locali e relazioni internazionali, e di trasformare la danza in un linguaggio vivo, aperto e condiviso.

Un lavoro sinergico tra danza e musica, ispirato dalle celebri e immortali composizioni di Franz Schubert, in cui il suono si fa gesto e il movimento diventa melodia.
Quattro quadri si susseguono come tappe di un viaggio sensoriale, alternando rigore e slancio, sogno e materia, passione e leggerezza. L’energia iniziale disegna architetture in movimento, dove il corpo esplora tensioni ed equilibri in un continuo dialogo con il suono.
Poi tutto si fa visione, un gioco di memoria e immaginazione sospeso tra fiaba e realtà, in cui la danza tratteggia emozioni sottili, intime, quasi sussurrate. Improvvisamente il ritmo esplode, il palco si accende di pulsazioni travolgenti e la coreografia diventa fuoco, terra, radici e passione. Infine, la scena si immerge in un’atmosfera liquida e impalpabile, dove i corpi sembrano dissolversi nel suono, tra ombre e riflessi, salvo poi riaprirsi in un finale esplosivo, quasi a ribadire la supremazia della fisicità e del corpo sulla mente.

“secondo quarto di luna” è un attraversamento. Una soglia tra ciò che si mostra e ciò che ancora resta nell’ombra. Come la fase crescente del ciclo lunare, lo spettacolo abita una zona di confine tra luce e oscurità, dove la fragilità e la forza si incontrano e la malinconia si fa motore di possibilità.
Concepito e interpretato da Viola Scaglione, il lavoro nasce da una necessità personale e artistica: dare corpo e voce a uno spazio che per anni è rimasto in penombra, evitato, come se frequentarlo significasse infrangere un equilibrio fragile.
Uno spazio che ora si apre, reclamato non con prepotenza ma con delicata determinazione: come un ritorno a sé, un atto di fiducia, una dichiarazione di esistenza. In quel luogo interiore, dove un tempo c’era il timore di disturbare, ora nasce la volontà di essere: visibile, autentica, presente.
Un atto vitale, politico, poetico: radicarsi nel proprio presente, mostrarsi intera anche nell’incompletezza, scegliere di esserci semplicemente, così come si è.Una danza che parla di maturità e di libertà, che non teme la solitudine, ma la attraversa con coraggio.A sostenere questa esplorazione, una costellazione di presenze femminili scelte per affinità profonda. Silvia Gribaudi, co-regista, accompagna la protagonista oltre i limiti conosciuti, trasformando anche le paure in spazi di libertà. Marta Ciappina, movement coach, traduce il movimento in narrazione, tessendo una grammatica intima e sensibile. Doriana Crema, con sguardo avvolgente, tiene insieme i frammenti del processo, illuminando connessioni e significati. Ewa Gleisner, in veste di creative producer, affianca la visione con lucidità e cura, intrecciando struttura e sensibilità.

PETIT#2 è un esercizio, una continuazione. Qualcosa è già accaduto, qualcosa è già finito. Qualcosa è appena iniziato. 4 interpreti.  Se la storia è ciclica, forse prevedibile, come possiamo cambiare e forse modificare le sue conseguenze? Ci sono un totale di 12 azioni di coppia che nascono dalla ricerca di un contatto fra le mani e quindi 24 azioni individuali. Un legame che parte da un gioco. I movimenti si susseguono come alla ricerca di un ipotetico “giusto incastro” con o senza l’altro. Un bisogno di ricordare e ripetere. Ogni interprete conosce l’intero materiale coreografico. Il come e il con chi danzare il codice è assolutamente una libera possibilità che accade nel presente della performance. Anche il costume e il suo uso sono una libera scelta nel tempo dell’azione scenica. I diversi abiti intesi come un accumulo di idee che forse portano alla nascita di un altro me. I suoni sono ricordi che si susseguono come rielaborazione e trasformazione della voce degli interpreti. Chi siamo in questo accumulo di scelte e possibilità? Chi diventiamo? Quale identità siamo? Cosa rimane alla fine? Chi è l’altro? Qual è il mio desiderio? La mia danza? Possiamo ripartire dal giocare per costruire? Siamo liberi, siamo felici?

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Questa è una chiamata d’allarme. Questa è una dichiarazione d’emergenza. Siamo qui e siamo
animali. Non creature feroci, ma esseri radicali che gridano amore, reclamano tenerezza. Afferrando le nostre pelli, abbracciando le nostre viscere, condividendo il nostro sangue, intrecciamo le lingue per dare vita a un nuovo idioma di speranza, per dare voce all’invisibile. Lasciamo che la luce e il suono colmino le nostre cavità. Cacciatori vibranti, in lotta per l’unità e la sopravvivenza della fragilità.


In una riflessione viscerale sullo stato catastrofico dell’umanità, un cast internazionale e
multigenerazionale di nove performers, un eserciti di amanti, prenderà dimora in uno spazio vuoto.
Un branco in transumanza, in trasformazione oscillante tra comportamento umano e istinto animale, tornerà all’essenza dell’essere, liberando tentacoli ipersensibili, spiegando le ali per rafforzare la vulnerabilità della propria presenza fisica.
Affidandosi all’ingegnosità e all’intelligenza istintiva del bambino interiore, predatori e prede svaniranno. Giochi di guerra sovversivi verranno esposti e contrapposti a paesaggi emotivi e sensuali per rivelare chi è la vera bestia. Quando il gioco è truccato, potremmo doverne infrangere le regole.


Un’opera coreografica corale, stratificata e intricata, in cui frammenti sapientemente intrecciati daranno vita a un nuovo elaborato ricamo, fondendo la purezza del corpo con potenti elementi audiovisivi complementari. Costumi accurati adorneranno, trasfigureranno e distorceranno la percezione del corpo umano, in contrasto con l’esposta e nuda pelle. Le luci trafiggeranno la scena alternando atmosfere violente e crude a paesaggi notturni ed effimeri, frammentando lo spazio per creare ambienti impalpabili e inaspettati


Come antichi reperti archeologici, tutti questi elementi si ricomporranno per dare vita a una nuova narrazione, una visione contemporanea intensa e profonda. L’alfa e l’omega, il primo e l’ultimo, l’inizio e la fine. Una voce nell’oscurità, in un’epoca di silenzio. In un tempo di brutalità e ignoranza, questo è il nostro manifesto.

Il corpo appare e i gesti prendono vita, immagini fugaci, forze invisibili ed echi lontani danno forma a istanti, schiudono orizzonti. Questo lavoro coreografico per una sola danzatrice è un’indagine intima e potente sul corpo danzante e la sua presenza, un corpo nel qui e ora.
Cosa vediamo quando osserviamo un corpo in movimento?
Come entriamo in dialogo con una danza solitaria, come creatori, come interpreti, come spettatori?

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Umingmak è una riflessione coreografica sull’identità e le sue contraddizioni, un’indagine sul corpo come contenitore di esperienze pregresse.
Involucro di eventi, di notizie, di stimoli interni ed esterni, perciò mai naturale, mai originario. Eppure, originale: il nostro modo di essere umani, di stare al mondo è interamente mediato e reso fluido da tutte le esperienze iscritte nel nostro DNA, da quelle vissute sul e con il nostro corpo.
Mentre le innovazioni biotecnologiche spingono verso la dissoluzione del confine tra naturale e artificiale, l’umanità si ridefinisce in uno spazio fluido e in continua transizione. 
Umingmak accoglie questi conflitti, non per ricomporli, ma per attraversarli. Abbraccia le opposizioni, non per filtrarle, ma per viverle dentro le complessità del corpo odierno.

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“Il vento è mitico, è pratico, è catarsi.
Il vento distrugge o trasporta, il vento è carattere invisibile dai visibili risultati.
Aliseo è un viaggio di trasformazione, senza inizio, senza fine."
Manfredi Perego

Aliseo è un vento costante, regolare, come il desiderio di esplorare e danzare. Il vento è energia, necessita di luoghi, intenzioni, a volte di caos, per poter lasciare emergere la sua potenza con tutte le sue intensità.
Le intensità sono disegni di trasformazioni. Modificano ciò che il corpo agisce mutando il paesaggio, esattamente come l’intensità del vento.

Studio per Aliseo è una danza che trasporta, scardina, trasforma.
Un’ode alla forza invisibile del desiderio – costante e mutante – che attraversa i corpi e li guida verso nuove forme.

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Uomo perduto
naviga silenzi
nel tempo dinamico


Esiste il dinamismo del corpo e quello emotivo. L’unione di queste due dimensioni genera un moto fisico che nella mia indagine coreografica è il collante tra fisicità ed emozione.
Dedica al dinamismo non è un quadro che vuole essere puramente fisico, né puramente interpretativo, vuole essere lo scontro incontro/incontro tra questi due colori. 
Scontro generatore dell’indefinito. 
Si creano relazioni e dinamismi coreografici che si alternano in un quadro, cambiando della scena sfumature e atmosfere.
Dedica al dinamismo è decidere di porsi in un piano totalmente instabile, che ricerca stridori e accordi, incontri dinamici, per vedere quando l’epidermide crea calore oppure tempesta.

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Moti nel mezzo è un viaggio attraverso il vuoto e la sua trasformazione, uno spazio che vibra di tensioni, memorie e battaglie interiori.
I danzatori e le danzatrici si muovono come frammenti di un universo incompleto, oscillando tra ciò che è stato e ciò che ancora non è, in un flusso di gesti che si raccolgono attorno a un centro invisibile. Gli sguardi convergono su un cerchio misterioso, il confine tra noto e ignoto, tra luce e ombra.
Attraverso una coreografia che alterna esplosioni di energia a sospensioni fragili, il corpo indaga il tremore dello spazio e il movimento che resta anche quando tutto sembra fermarsi. Moti nel mezzo è un’esperienza sensoriale e poetica, un’indagine sulle tracce invisibili che ogni passaggio lascia dietro di sé.

SPETTACOLO SELEZIONATO PER NID PLATFORM 2025

In SISTA risuona la forza di un nome intimo e universale: sorella. Non un titolo, ma una dichiarazione di appartenenza, di alleanza scelta. Una parola che vibra tra le interpreti, Marta Ciappina e Viola Scaglione, come un codice affettivo e simbolico che dà corpo alla scena.
Tra sorelle - anche quando il sangue non le lega - si dice che scorra un filo invisibile, tessuto di antica cooperazione, di rifugi condivisi, di silenzi che parlano.
È un patto ancestrale, dove il gesto si fa parola primordiale e la memoria diventa corpo. 
Così la sorellanza, biologica o elettiva, disegna un territorio comune: un luogo fragile e potente dove riconoscersi, scegliersi, e insieme custodire il segreto di un’appartenenza che genera forza, cura e libertà.

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Gli studi su Bach si configurano come una palestra coreografica, un luogo coreutico mutevole, che non termina la sua evoluzione. La sfida coreografica è quella di dare concretezza visiva e dinamica all’emozione che ogni nota esprime, cogliendo le sfumature della musica di Bach traducendo in danza un processo di analisi emotiva su ciò che la partitura musicale suggerisce.
La violenza e la dolcezza che emergono dalla vibrazione sonora trovano così una corrispondenza fisica, generando danze che attraversano mondi di nuove frequenze carnali.
La musica dal vivo cuce l’epidermide del danzatore allo spazio, spingendolo verso un ascolto e un’interpretazione più radicali; al contempo l’aria smossa dai corpi investe i musicisti, rendendo palpabile l’azione della danza sul suono stesso.

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#SOUNDSCAPE è una performance in continua trasformazione, dove danza e musica si intrecciano in un dialogo vivo: ogni gesto genera suono e ogni suono diventa movimento, in un ciclo creativo senza fine.
La danzatrice, guidata da pratiche di composizione istantanea e da partiture di improvvisazione in profonda sintonia con la musica, si libera da schemi e coreografie predeterminate, abbracciando così un territorio di movimento aperto, fluido e in costante trasformazione: una performance che genera domande, costruisce significati e crea legami nuovi o rinnovati.
Gli spazi in cui prende vita non fanno da semplice cornice, ma modellano la performance stessa: architetture e ambienti diventano partner attivi, trasformando ogni esecuzione in un’esperienza irripetibile, in cui corpo, strumento e luogo dialogano costantemente facendo emergere nuove dinamiche di movimento e suono.

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Lo stato di “limbo” tra il reale e l’immaginario, tra fantasie erotiche e sobria realtà, descritto da Mallarmé nel suo poema L’après-midi d’un faune, ispirò nel 1912 Vaslav Nijinsky nella creazione dell’omonima e rivoluzionaria coreografia. A distanza di oltre un secolo, quel medesimo fascino guida Mauro de Candia nell’indagare la figura del Fauno, essere “metà animale e metà umano”.
Il Faun* si avvicina con cautela all’essenza misteriosa di questa sensuale creatura della natura, che brama la realtà per rintracciare e liberare il proprio potere dinamico. Sono i molteplici stati del corpo e dell’animo del fauno, le sue metamorfosi, a sollecitare domande: non c’è forse un fauno in ognuno di noi? Non è forse anche allegoria del nostro tempo, in cui corpi e identità vengono costantemente reinventati e riesplorati?

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